Las Siete Películas más Sobrevaloradas de la Década de 2020 (hasta ahora)

Y lo que deberías ver en su lugar

Las Siete Películas más Sobrevaloradas de la Década de 2020 (hasta ahora)

Por: Tom Barrie, periodista y escritor independiente afincado en Londres.

En esta ocasión, analizaremos las películas más sobrevaloradas de la década de 2020, hasta el momento. Quiero hacer un par de menciones honoríficas a películas que estuvieron a punto de conseguirlo, pero no lo lograron: Men, el fallido homenaje al folk-horror de Alex Garland cuyo tráiler era tan prometedor; Last Night In Soho, que recurre a todos los clichés derivados del thriller psicológico como si tratara de destruir por sí sola la brillante reputación de pastiche inteligente de Edgar Wright; Napoleón, de Ridley Scott, que si trataba de ser deliberadamente camp no lo hizo lo suficientemente obvio; y la reciente película de Netflix Sweet Bobby: My Catfish Nightmare, en la que una cineasta simpatiza tanto con su sujeto catfished que no plantea ni una sola vez, en 82 minutos, la pregunta de por qué dicho sujeto siguió «saliendo» con un hombre al que nunca había conocido en persona durante nueve años. A pesar de ser muy medianas, ninguna de estas películas es realmente aclamada como tal, por lo que es difícil argumentar que están sobrevaloradas.

Así que sin más preámbulos...

7. Barbie (dir. Greta Gerwig)

Si alguna vez me has oído hablar de Barbie en persona, probablemente haya desplegado mi frase de ataque favorita: que es una película adorada y aclamada por personas que ven quizá 2-3 películas al año en el cine. Barbie no era una mala película, en sí misma -de hecho, era buena en general-, pero estaba profundamente sobrevalorada cuando se la comparaba con los lujosos elogios que le dedicaban los redactores del New York Times y la crisis colectiva porque Gerwig no obtuvo el premio a la mejor directora en los Oscar. (…)

La mayoría de las objeciones a Barbie procedían de la derecha online, lejana pero plausiblemente innegable -gente como Ben Shapiro y compañía, que la calificaron de basura feminista, propaganda que odia a los hombres, etc.-, lo cual, contraintuitivamente, es exactamente lo que una película como ésta necesita para triunfar, porque hace imposible la crítica legítima de la película. Si dices que no te gustó, en el mejor de los casos es tu misoginia interiorizada la que habla, y en el peor, eres un tipo de extrema derecha del tipo «tu cuerpo, mi elección». Bueno, Barbie tenía profundos defectos formales e ideológicos. El principal es que, por el mero hecho de que saques a relucir el hecho de que tu película es un ejercicio de marketing corporativo, de repente no deja de ser un ejercicio de marketing corporativo. El humor sabiondo y guiños sólo puede llevarte hasta cierto punto cuando eliges a Rhea Perlman para interpretar a Ruth Handler, la creadora de Barbie, en la vena de abuela de ojos centelleantes que normalmente sólo se reserva para los viejos personajes negros sabios de las películas de los 90 o para las inconscientes nonnas mafiosas obsesionadas con alimentar a sus vástagos asesinos. El fabricante de Barbie, Mattel, planea ahora hacer películas basadas en Hot Wheels, Polly Pocket, la Bola 8 Mágica y -no me digas- Uno. El juego de cartas. Hay que agradecérselo al éxito rosa de Barbie.

Más prosaicamente, la película también tiene importantes agujeros narrativos: ¿por qué Barbie tiene miedo a la muerte al principio de la película, pero no al final? Éste es el incidente incitador de la narración, el que la hace venir al «mundo real», pero... ¿nunca se trata? ¿No es así? Si lo fue, me lo perdí. ¿Por qué Barbie es la única de las muchas Barbies que viven en Barbiolandia (1) a la que afecta la ansiedad de América Ferrira en el mundo real? ¿Y después de que Barbie rechace amablemente el amor de Ken al final de la película, éste se encoge de hombros y... vuelve a ser feliz? No entendí muy bien por qué. Además de cosas más pequeñas: Barbie se convirtió en un extraño anuncio de Chevrolet a mitad de camino durante la escena de la persecución en coche, y se infrautilizó lamentablemente el genio cómico de Jamie Demetriou. Luego están las críticas de otros que señalan el feminismo lib de la película, aunque soy comprensiva con el argumento de que, para mucha gente, Barbie puede ofrecer más un texto introductorio que toda una visión política del mundo, así que no voy a culpar de ello a Gerwig. En total, se trata de una película de tres estrellas y media, pero naturalmente, si sólo ves dos al año y la otra fue la maldita, no sé, Ant-Man: Quantumania, puedo entender que pienses que valía cinco.

Lo que deberías ver en su lugar: Oppenheimer (¡es broma! Deberías ver en su lugar Support The Girls)

6. Cualquiera menos tú (dir. Will Gluck)

El hecho más decepcionante del estreno de Anyone But Youfue que Glenn Powell y Sydney Sweeney no estaban saliendo realmente en el plató durante el rodaje, cuyo rumor debió de ser más bien un golpe maestro de oscuras artes de relaciones públicas por parte de alguien implicado entre bastidores en Netflix. Los que suspirábamos por un retorno a los días gloriosos de la hermosa y ridícula pareja de estrellas de Hollywood -pensemos en Winona y Johnny, Freddie Prinze Jr. y Sarah Michelle Gellar, etc.- nos quedamos colgados con la noticia de que no, Powell y Sweeney no estaban a punto de unirse para reafirmar el orden mundial estadounidense de posguerra sólo con la fuerza de su mandíbula, sino que en realidad fingían salir juntos por publicidad. Lo cual, irónicamente, es exactamente el argumento de Cualquiera menos tú: dos veinteañeros antagónicos fingen estar enamorados cuando los invitan a una boda en Australia, para evitar esas irritantes preguntas de «¿Cuándo te toca a ti?» que, al parecer, se hacen mucho en ese tipo de eventos. Obviamente, acaban enamorándose de verdad.

Si le pidieras a ChatGPT que diseñara una pareja totalmente americana

Cualquiera menos tú tenía un guión turbio y una premisa manida (la trama se basa en Mucho ruido y pocas nueces, y los protagonistas se llaman Bea y Ben, es decir, Beatriz y Benedicto, pero ahí se acaba el ingenio). Hubo algunos momentos divertidos en los que unos australianos hipermachos hacían cosas normales de australianos, como asar koalas a la barbacoa y beberse su propia orina, y un buen momento en el que Ben tenía miedo a volar y sólo era capaz de sobrellevar un largo vuelo escuchando en bucle «Unwritten» de Natasha Bedingfield, pero eso no bastó para salvar la película. ¿El regreso de la comedia romántica? Yo no contaría con ello.

Lo que deberías ver en su lugar: Rye Lane (2023)

5. Estoy pensando en acabar las cosas (dir. Charlie Kaufman)

Una exhibición A de 134 minutos de duración de la idea ampliamente debatida de que los servicios de streaming que dan rienda suelta a los directores para que hagan lo que quieran da como resultado poco más que que ellos (los directores) se entreguen a sus peores excesos (véase también: The Irishman). Resulta que esos ejecutivos de estudios sin arte que siempre están presionando estereotipadamente para que las películas sean más cortas y estén más llenas de acción, ¡pueden tener razón de vez en cuando!

I'm Thinking of Ending Things es el punto álgido de Charlie Kaufman; es la culminación de los 20 años de carrera de un hombre que ha escrito algunos de los guiones de más alto concepto de Hollywood, como Being John Malkovich y Eternal Sunshine of the Spotless Mind , y el momento en que finalmente se inclinó hacia la autoparodia. Malkovich y Sunshine eran películas extrañas, pero al menos presentaban personajes centrales que se sentían desconcertados por las cosas surrealistas que les ocurrían (respectivamente: descubrir una puerta a la mente de John Malkovich y borrar todos los malos recuerdos de sus ex amantes mediante un procedimiento médico). Eso hacía que esas películas fueran humanas: al menos John Cusack en Malkovich y Jim Carrey en Sunshine estaban tan extrañados por lo que ocurría a su alrededor como nosotros, los espectadores.

En comparación,Estoy pensando en acabar con todo es una marcha de la muerte hacia la apatía, demasiado larga, serpenteante y sin argumento, que habla de boquilla de algún tipo de perspectiva filosófica existencialista sin llegar nunca realmente a ella. Tiene sus momentos, como una escena realmente inquietante en la que el personaje de Jessie Buckley cena por primera vez con su (en sus planes) futuro novio y los padres de éste, pero en general es visualmente monótona y engañosamente profunda. Es difícil no pensar que los elogios dirigidos a Kaufman son algo más que una especie de Síndrome de Estocolmo del emperador con ropa nueva entre los críticos que quieren parecer inteligentes, hoy en día.

Lo que deberías ver en su lugar: Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004)

4. No te preocupes, cariño (dir. Olivia Wilde)

Esta película es fácilmente la más difícil de escribir de la lista, porque la verdad sea dicha, apenas la recuerdo. Recuerdo el drama que la rodeó . ¿Por qué Florence Pugh se peleó con la directora Olivia Wilde? ¿Por qué Wilde despidió a Shia LaBoeuf? ¿De verdad Harry Styles escupió a Chris Pine en el estreno? (2) Pero después de ver dos horas de No te preocupes, cariño, mi impresión principal es la de una especie de pastiche sub-Stepford de la América de los años 50 como metáfora del lavado de cerebro y la incultura (spoilers: Wikipedia me recuerda que resulta que el personaje de Pugh está atrapado en un mundo virtual artificial, como Matrix, donde los hombres perdedores pueden controlar a sus esposas a su antojo - ¡ah, sí, ahora me acuerdo!).

El otro recuerdo perdurable es que se utilizó mucho en marketing la imagen de un avión rojo monomotor que se dirigía en espiral hacia el desierto...

...y luego nunca se explicó en la película.

Don't Worry Darling está llena de momentos y detalles como éste: ideas que claramente sonaron bien durante una sesión de presentación desenfrenada o una reescritura apresurada del guión, pero cuyo sentido real nadie se paró nunca a considerar (quizá estaban demasiado ocupados intentando mantener separados a Pugh, Wilde, Styles y LeBoeuf...). En conjunto, fue un triunfo del diseño de producción y la estética relativamente mediocres sobre una narración totalmente disparatada. El drama en torno a la realización de la propia película dejó un mal sabor de boca incluso antes de su estreno, y la única razón que se me ocurre para que no esté en esta lista de La Quimera es que, en retrospectiva, no estoy seguro de que hubiera nadie con quien hablara que la disfrutara.

Lo que deberías ver en su lugar: Room (2015)

3. Todo a la vez en todas partes (dir. Daniel Kwan y Daniel Scheinert)

Todo en todas partes a la vez -cuyo nombre ya es más molesto que caprichoso, y que me hizo llamarla alegremente «Todo en todas partes a la vez» durante unas seis semanas después de su estreno- fue una película que empezó con una nota de alto concepto extremadamente prometedora. Esencialmente, que hay montones de universos paralelos diferentes que conforman un «multiverso»; el nuestro es uno de tantos. (3) En uno de estos universos paralelos, la protagonista de la película, la atareada propietaria de una lavandería chino-estadounidense, Evelyn Wang, ha aprendido a saltar entre estos universos. Pero la otra Evelyn también ha vuelto loca a su hija Joy haciéndola (a la hija) saltar demasiado, y ahora la hija, totalmente nihilista al saber que existen infinitos universos, salta entre ellos para matar a todas las Evelyn diferentes que caigan en sus manos. La Evelyn denuestro universo, como la menos impresionante o exitosa de todas las diferentes Evelyns que existen, debe salvarlas.

EEAAO era una buena película, muy buena. Tenía estilo, estaba llena de referencias a películas del cine chino -otros universos, en otras palabras- como In The Mood For Love o el clásico wuxia Crouching Tiger, Hidden Dragon sin golpearte en la cabeza con ellas. (4) Era bonita y divertida al mismo tiempo, bastante conmovedora y llena de imágenes inteligentes (a pesar de mí, me gusta esa estúpida cosa del Tercer Ojo con forma de globo). Hacía algunos gestos decentes hacia el absurdo del bacalao y las ideas en torno a la realización y «lo que podría haber sido», a medida que Evelyn descubría versiones más impresionantes y felices de sí misma y de su familia en universos paralelos, y reconsideraba sus elecciones vitales.

El problema es que no era tan buena como la gente decía. Piensa en Barbie, pero con el bombo aumentado en un 1000%. Oír a la gente hablar de la EEAAO era oírles entrar en un estado de éxtasis. «Profundamente profunda, genuinamente conmovedora, absolutamente desternillante, muy imaginativa y un festín visual», dice una de las mejores críticas de iMDB. “No me había reído tanto, llorado tanto ni pensado tan profundamente sobre ninguna película en 2022. Y mucho menos todo en el mismo visionado. De hecho, ha sido todo y en todas partes a la vez”. (5) Actualmente tiene 4,3 estrellas de cinco posibles en Letterboxd, el hogar de los cinéfilos que se identifican a sí mismos, aunque sus críticas en Google apuntan a una reacción sutilmente diferente entre los normales.

Un valle de críticas como éste suele ser señal de una película interesante

La película se desmorona realmente a partir de la mitad. Con 139 minutos, ya es fácilmente media hora demasiado larga, pero aparte de eso, las últimas secciones de la película proporcionan un ejemplo clásico del viejo dicho de que cualquier tonto puede volar, pero se necesita un experto para aterrizar. La versión villana y asesina de Joy, que salta del universo, conocida como «Jobu Tupaki», captura a Evelyn y le muestra un enorme «bagel de todo» -no es una errata- que supuestamente puede acabar con el multiverso.

¿Qué era el bagel? Literalmente, quiero decir: sé que era una especie de dispositivo del día del juicio final, pero si te gustaba la EEAAO, ¿puedes explicarme qué era, físicamente? ¿Cómo funcionaba? ¿O por qué era malo y peligroso? No he encontrado a nadie que pueda. Del mismo modo, los últimos 40 minutos más o menos se convierten en una escena de lucha masiva y polifacética en la que participan Evelyn, su marido Waymond, Jobu y sus secuaces (creo que tiene lugar en el edificio de Hacienda), que termina cuando todos... deciden dejar de luchar entre sí y abrazar la bondad existencialista, a instancias de Waymond.

Si no has visto la película, todo esto te parecerá una locura, porque lo es. EEAAO hace ese gran truco de hacerte creer que la has entendido, hasta que sales del cine, y entonces alguien te pide que le expliques la mecánica de la trama, y apenas puedes pasar a trompicones de lo de los «universos paralelos». Es todo estilo y algo de sustancia, pero, en mi opinión, se necesitan ambas cosas para obtener el tipo de críticas que ésta recibía allá por 2022.

Lo que deberías ver en su lugar: definitivamente deberías seguir viendo EEAAO, pero quizás con un ojo ligeramente más crítico. O podrías ver Donnie Darko (2001).

2. Stutz (dir. Jonah Hill)

En julio de 2023, se publicó en Instagram una serie de mensajes de texto. Supuestamente enviados por Jonah Hill, fueron filtrados por su ex novia, la surfista Sarah Brady. Un texto en particular, que supuestamente databa de finales de 2021, era un párrafo monstruoso hibridizado de lenguaje terapéutico desplegado al servicio de un ligero control coercitivo:

Simple y llanamente, Hill escribió supuestamente a Brady: Si necesitas: surfear con hombres, amistades inapropiadas sin límites con hombres, hacer de modelo, publicar fotos tuyas en bañador, publicar fotos sexuales, amistades con mujeres que están en lugares inestables y de tu salvaje pasado reciente más allá de conseguir un almuerzo o un café o algo respetuoso. No soy la pareja adecuada para ti. Si estas cosas te llevan a un lugar de felicidad, lo apoyo y no habrá resentimientos. Estos son mis límites para una relación romántica. Mis límites contigo se basan en la forma en que estas acciones han dañado nuestra confianza. ⁽⁶⁾

Es un poco insípido difundir textos privados por Internet -el razonamiento de Brady fue que quería advertir a la entonces pareja de Hill y madre de su hijo recién nacido, lo cual... está bien, supongo-, y más aún que alguien como yo se ponga a leerlos y a diseccionar el estado psiquiátrico claramente intenso de Hill. Salvo que el propio Hill ya ha hecho precisamente eso, ante la cámara, invitando literalmente al público a su sala de terapia dirigiendo Stutz en 2022.

Stutz debe su nombre al terapeuta de Hill, el Dr. Phil Stutz. En la película, Hill y él hablan ante la cámara durante una hora y media más o menos sobre una serie de temas: empiezan con la infancia de Stutz, un reciente diagnóstico de cáncer, lo que ha enseñado a Hill sobre la gestión de su vida interior, sus emociones y su salud mental, y luego cómo su técnica difiere de la práctica habitual. Verás, lo que hace Stutz es que, a diferencia de los terapeutas tradicionales, que intentan ser imparciales con lo que les cuentan sus clientes y, en el mejor de los casos, guiarlos suavemente, él da consejos directos a sus terapeutas (¿es ésa una palabra?), a menudo en forma de esas extrañas notitas crípticas por las que Hill parece jurar.

A mí tampoco

Lo encontré simultáneamente autoindulgente -¿cómo no iba a serlo? - e impenetrable. Está claro, por esos textos filtrados, que Stutz es un terapeuta terrible, porque Hill parece tener problemas muy graves de celos y control, y de ansiedad (por los que siento simpatía). Pero del mismo modo, Hill sale mal parada. Muy mal, de hecho, como una de las personas más antipáticas y ensimismadas de Hollywood. Si esto te parece un ad hominem, ten en cuenta que en esta película Jonah Hill aparece como él mismo en un documental que él mismo dirigió sobre su propia mente y su propio terapeuta: tenía literalmente el control total sobre cómo se le presenta.

Y, sin embargo, según Stutz, Hill encarna todos los peores y más egoístas elementos del liberalismo estadounidense y sus obviedades. Uno de esos tópicos es que «sólo deberías salir con hombres que vayan a terapia». Señoras: podríais ser más felices con un hombre que no se enfrente tanto a sus demonios e inseguridades como lo hace Hill. Algunos pensamientos subconscientes deberían quedarse ahí, más allá de la conciencia, donde lo que no puedes ver ni nombrar no puede hacerte daño. Porque, Dios mío, Jonah se mira tanto el ombligo que empiezas a preguntarte si no ve por detrás de su trasero.

Lo que deberías ver en su lugar: Shirkers (2018)

1. Pobrecitos ( dir. Yorgos Lanthimos)

Algún día escribiré algo más largo sobre Yorgos Lanthimos. Me gustó muchísimo La Favorita, y esa película comparte naturalmente mucho ADN con Pobres Cosas . Pero mi principal problema con esta última es que, sí, Emma Stone ofrece la mejor interpretación de su carrera como mujer con cerebro de niña, sin duda, pero ¿con qué fin? Es sabido que los niños no son muy interesantes. Pasar diez minutos en compañía de la Bella Baxter de Stone mientras intenta, no sé, comer sopa con las manos es pasar nueve de ellos pensando «Vale, ya lo pillo, por favor, pasa a la siguiente escena, Yorgos». Pero no lo hará, y en su lugar nos veremos obligados a seguir viendo cómo Stone pone voz de bebé y dice algo así como «¡A Bella no le gusta la sopa! Sopa horrible!» y luego tira su cuenco al otro lado de la habitación y empieza a masturbarse, probablemente, y por ello llegó a ganar un Oscar y un Globo de Oro.

Al alejarme un poco, me di cuenta de que las interpretaciones tan exageradas hacían casi imposible empatizar con estos personajes como seres humanos reales. Ver Poor Things es como ver la pantomima sin los guiños y los codazos. Es vacío. Es extrañamente triste. (La gente intentará refutar esto con un «¡Ah! ¿Pero qué pasa con Duncan Wedderburn?». - es decir, el personaje secundario de Mark Ruffalo, que proporciona gran parte del alivio cómico de la película. A lo que yo respondería que estoy seguro de que es muy divertido, si lo que te hace reír es que Ruffalo tenga un bigote gracioso y diga la palabra «retrasado» con un acento inglés de ciruela. Eh.)

Sí, Pobrecitos parecía bastante bonita a veces, sobre todo cuando iban a Lisboa, y sí, Bella se convirtió en socialista y feminista sexualmente positiva después de alcanzar una capacidad cognitiva casi adulta, en lo que fue un soplo inteligente al tipo de gente que critica estas películas, pero en última instancia la ganadora del Oscar de Lanthimos no tenía nada del verdadero radicalismo que la gente le atribuía, ya fuera estético, político o de otro tipo. Me encojo de hombros mientras escribo esto; no sé qué más decir. Lo siento.

Lo que deberías ver en su lugar: La felicidad (1998)

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Notas:

1. Si la palabra «Barbie» aún no ha llegado a un punto de saciedad semántica para ti, entonces tienes bastante más aguante que yo.

2. En absoluto.

3. Los multiversos están muy de moda ahora mismo en después de que el MCU generalizara la idea.

4. Sobre todo... el chiste de Ratatouille/«raccacoonie» tuvo gracia la primera y quizá la segunda vez, pero la rata Rémy ya estaba muerta cuando los Daniels dejaron de azotarle.

5. ¿Ves lo que han hecho?

6. (Nota al margen: «Amistades con mujeres que están en lugares inestables» sería un gran nombre para una película de Almodóvar).

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Nota: Agradecemos a Tom Barrie su colaboración en este artículo, basado en el original en inglés siguiente:

The seven most overrated films of the 2020s (so far)

Tom es el autor de The Chimera (“La Quimera”, en español), un boletín de alta y baja cultura.

Las diez mejores películas de la década de 2020, hasta ahora

Hemos visto las peores películas. Pero, ¿qué es lo mejor?

Esta es la lista eurocéntrica de Tom (Sin spoilers).

10. El hombre del norte (dir. Robert Eggers)

Sí, es una película de chicos. No, no me importa. Los jodidos músculos ondulantes de Alexander Skarsgård mientras aplasta a otro moscovita envuelto en pieles en el barro apestoso de la aldea que él y sus compañeros lobo-berserkers están saqueando es demasiada distracción para que escuche las quejas de los quejicas neoyorquinos que piensan que esta película de vikingos era un poco, ya sabes, fashy. De hecho, esta película dura dos horas y cuarto, se basa en la misma inspiración que Hamlet -cómetelo todo, Maggie O'Farrell- y en ningún momento te da ni 30 segundos para respirar de verdad, y mucho menos para pensar. En lugar de eso, todo es Willem Dafoe ladrando y lanzando hechizos y quemando salvia; es una valquiria gritando en la noche mientras dos hombres desnudos se cortan a hachazos en la cuenca de un volcán islandés; es el niño rubio más delgado que hayas visto jurando venganza contra el tío de cejas oscuras que mató a su padre y le robó su jarldom. ¡Te vengaré padre! ¡Te salvaré madre! ¡Te mataré Fjölnir! Es enfermizo. Película de niños.

9. La quimera (dir. Alice Rohrwacher)

Para los que aún no la hayan visto, La quimera, en italiano, sigue a un grupo de ladrones de tumbas displicentes pero avariciosos en la Italia de los años 80, que confían en un inglés hastiado llamado Arthur para que se abra camino hasta las tumbas etruscas que saquean, antes de revender sus bienes funerarios en el mercado negro. Es Josh O´Connor, en el papel de Arthur, quien impulsa esta película desde el tipo de agradable eurofilm periódicamente popular entre las clases medias londinenses hasta una historia de fantasmas genuinamente conmovedora y oscuramente hilarante, su tranquila irritación con sus compañeros ladrones siempre subyace en su búsqueda de una amante desaparecida hace mucho tiempo que puede o no estar a este lado del inframundo (literal). Imagina una versión más ctónica de una película de Paolo Sorrentino y estarás a mitad de camino. El italo-pop, el giallo, los anni di piombo y la absoluta suciedad y falta de chic de la Italia de la mafia: a todo ello se rinde homenaje, y el resultado es maravilloso.

8. Todos somos extraños (dir. Andrew Haigh)

Seré sincera: no me di cuenta del giro de Todos somos extraños hasta tan tarde que resulta embarazoso.³ Creo que probablemente estaba demasiado preocupada intentando no llorar ante la lastimera y discreta interpretación de Andrew Scott como el guionista Adam, un hombre gay soltero que vuelve a visitar a sus padres en la casa de su infancia, después de no haberlos visto en décadas. Digna rival de Happy Together, de Wong Kar-Wai, como la mejor película queer que he visto nunca, Todos somos desconocidos es también mucho más de lo que esa etiqueta reduce: una cápsula del tiempo que abarca el Londres suburbano de los años 70, una historia de fantasmas, incluso algo parecido a un noir psicológico. También hay que reconocer el mérito de Paul Mescal, que interpreta al único vecino de Adam en un bloque de pisos de nueva construcción que, por lo demás, está vacío, y a su amante final, sacando a Adam de su caparazón de forma gradual y sensible, y animándole a volver a conectar con sus padres, sea cual sea la forma que adopte.

7. Tár (dir. Todd Field)

Si Todos somos extraños es una película sobre ser perseguido por el pasado, Tár trata sobre ser perseguido por el presente. En ella, la Lydia Tár de Cate Blanchett, una imperiosa directora de orquesta que no toma prisioneros, está a punto de lograr la ambición de su vida: dirigir y grabar todas las sinfonías de Mahler con una orquesta que se supone que es la Filarmónica de Berlín. Mientras lo hace, pone en peligro su entrada en el canon de los directores trascendentales -junto a Bernstein, von Karajan y otros- por su incapacidad para comprender por qué otros a su alrededor no ven el mundo como ella. Tár es un monstruo del arte; tiene poco tiempo para los que se interponen en el camino de su (incuestionable, según la película) grandeza, y cuando ve algo que quiere, como una joven y atractiva violonchelista en su orquesta, lo coge. Todos conocemos a personas así, y nos fascinan aunque nos denigren. El director Todd Field es lo bastante inteligente como para no inclinarse demasiado en ninguna de las dos direcciones, haciendo que te compadezcas de esta mujer loca, brillante y horrible durante dos horas y 40 minutos perfectos.

6. Las ocho montañas (dir. Felix van Groeningen y Charlotte Vandermeersch)

A pesar de que los papeles masculinos reinan en Hollywood y de que muchísimas películas siguen suspendiendo el Test de Bechdel, hay una sorprendente escasez de buenas películas sobre amistades masculinas (amistades deverdad; no me digas que las películas de Fast and Furious o John Wick son la referencia para cualquier tipo de relación platónica significativa entre chicos). Afortunadamente, Le otto montagne -Las ocho montañas en español- es un antídoto contra eso, pues sigue la amistad de 30 años entre dos hombres, Bruno y Pietro, tras una serie de veranos de infancia que pasan juntos en el aislado pueblo alpino de Bruno a partir de 1984. Al principio, Pietro, turinés y de clase media, se siente fascinado -y quizá celoso- por la valentía y la fuerza de Bruno, más rústico y tosco, en las montañas. Años más tarde, cuando el padre de Pietro muere y le deja un terreno cerca del pueblo, ambos deciden construir una cabaña de madera. A medida que los hombres crecen y las presiones de la edad adulta los ponen en pie de igualdad -para Pietro está claro, aunque no para Bruno, que uno no puede esconderse de sus obligaciones en las montañas para siempre-, su amistad se hace más profunda, incluso cuando sus respectivas decepciones con la edad madura también lo hacen.

Rodada en una anticuada relación de aspecto 4:3, la película en sí tiene un cierto aire rústico, y los socios en la dirección (y en la vida) van Groeningen y Vandermeesch dedican una parte considerable de sus 147 minutos de duración a aprovechar al máximo los valles y prados de los Alpes italianos que constituyen el telón de fondo de las vidas de Pietro y Bruno. El resultado es una película lenta pero hipnótica en la que, si escuchas atentamente, puedes oír crecer las montañas. Una película que te hará querer coger las botas y los bastones y dirigirte a las colinas cuando aparezcan los créditos.

5. Civil War (dir. Alex Garland)

No va a ocurrir. Los estadounidenses son demasiado viejos, demasiado incapaces, demasiado escleróticos para llevar a cabo una guerra a tiros unos contra otros de la manera descrita en Civil War de Alex Garland . Lo mejor que conseguirán probablemente será algo parecido a la guerra civil sectaria de desgaste de bajo nivel que tuvimos aquí en el Reino Unido de 1969 a 1998. Pero, a pesar de ello, ¿dejó la película algunas imágenes extremadamente potentes en nuestras retinas? Por supuesto.

Las quejas sobre la falta de contexto y exposición del conflicto estadounidense de Civil Warfueron totalmente estúpidas. Si hubiera habido algún contexto -si supieras qué bando era «Trump» y cuál era «Biden»- habría perdido toda su fuerza, como un mago que revela sus trucos. En lugar de eso, se trataba de un estudio de personajes de encuadre ajustado sobre la chirriante adicción que es la fotografía de guerra, más cercana a «The Hurt Locker» que a « Lo que el viento se llevó» o «Cold Mountain». Oí a un periodista que conozco describirla como «una película de periodismo disfrazada de película de guerra», lo que creo que era acertado: Cada personaje era un periodista que conocías en la vida real, desde el hastiado escritor de Wagner Moura (te lo podías imaginar escribiendo lánguidos perfiles para Rolling Stone antes de que estallara la guerra) y la novata de ojos brillantes de Cailee Spaeny, hasta el veterano corresponsal del New York Times con aparatos ortopédicos de Stephen McKinley Henderson, y la conmocionada y vacía cáscara de fotoperiodista condecorada de Kirsten Dunst.

Y, por supuesto, estaba esa escena con Jesse Plemons. Esas gafas rojas aún me provocan pesadillas.

4. Cómo tener sexo (dir. Molly Manning Walker)

Cualquiera que haya sido adolescente reconocerá la gran expectación con la que las tres chicas de 16 años de Cómo tener sexo vuelan a Malia para lo que creen que serán las vacaciones post-GCSE de sus vidas. Lo que sigue son tres noches bacanales de chupitos de tequila, caras pintadas de neón y peceras, así como decepción, agotamiento y temperamento crispado después de que las chicas se hagan amigas de sus vecinos del complejo de apartamentos y naveguen por la atmósfera hipersexual que impregna las ciudades de fiesta del Mediterráneo.

En el centro de esta obra maestra del rito de iniciación está la Tara de Mia McKenna-Bruce, que oculta su falta de experiencia sexual (al menos, en relación con sus dos amigas) tras una estudiada extroversión y la voluntad de intentarlo siempre una vez más. La McKenna-Bruce de cara aniñada tenía 24 años cuando se rodó la película en 2021, pero es una adolescente totalmente creíble; Tara es tan empática -y, de hecho, solitaria- en el caos de un alborotado precopeo como en el tranquilo calor diurno de una resaca. Al final de la película, sólo quieres darle un abrazo y decirle que beba agua.

3. Otra ronda (dir. Thomas Vinterberg)

¿Sabes esa cosa en la que te tomas dos pintas, o quizá tres copas de vino, y de repente el mundo se alinea y la claridad de pensamiento desciende como una niebla de agua fría sobre tu hipotálamo, normalmente empañado y sobrecalentado? Resulta que existe una verdadera teoría pseudocientífica al respecto, y se ha postulado que un nivel de alcohol en sangre del 0,05% es el punto óptimo de ebriedad para la creatividad, la confianza y la elocuencia humanas.⁴ Otra ronda, de Thomas Vinterberg (que en danés se llama Druk, o «borrachera»), sigue a cuatro profesores de gimnasio de saco triste que llevan este concepto hasta su punto final lógico, que es intentar permanecer muy ligeramente borrachos en todo momento como parte de un experimento para ver si sus vidas mejoran. Y mejoran. Inicialmente.

Las películas de Vinterberg son siempre reflexivas y anárquicas a partes iguales, y su colaborador de siempre, Mads Mikkelsen, está excelente como siempre en el papel de Martin, un tímido profesor de historia cuya carrera y matrimonio están estancados hasta que empieza a beber vodka en los aseos de la escuela. También hay algo peculiarmente danés en esta película, desde las relaciones admirablemente igualitarias y francas entre los profesores irresponsables y sus alumnos, hasta la preocupación y la aceptación cultural en torno al consumo excesivo de alcohol en público (si alguna vez has estado en un tren danés, esos tipos lo guardan, créeme). Al parecer, se está preparando un remake americano con Leonardo DiCaprio, pero esta película nunca podría tener lugar en Estados Unidos de forma creíble. No tengo ni idea de cómo podrá recuperar lo que hizo especial a Druk en primer lugar.

2. Cohete Rojo (dir. Sean Baker)

Hace un tiempo, alguien planteó la pregunta en Twitter: ¿qué cineastas de la corriente dominante que trabajan en Estados Unidos podrían considerarse realmente de izquierdas, en lugar de liberales, o políticamente de centro-izquierda? Aparte del comunista declarado Boots Riley, es posible que Sean Baker, director de Tangerine, The Florida Project, Red Rocket y Anora sea, siendo realistas, probablemente la única otra respuesta.

Como todos los proyectos de Baker, Red Rocket trata de la permanente clase baja estadounidense, en este caso encarnada por un tipo llamado Mikey. Mikey es una estrella del porno masculina fracasada que regresa a Texas para vivir con su ex mujer en una choza de tablas de madera a la sombra de una gigantesca planta química. A pesar de decidirse a conseguir un trabajo y dar un giro a su vida, pronto empieza a vender hierba en el aparcamiento de una tienda local de donuts, donde queda prendado de una chica de 17 años llamada Strawberry. Haciéndose pasar por un productor de éxito, planea llevársela a Los Ángeles y convertirla en la estrella del porno con más éxito del mundo.

Red Rocket es, por tanto, una especie de Lolita postindustrial, una película con trampa china en la que crees que puedes justificar el comportamiento de Mikey porque la sociedad le obliga a ser así: tiene que utilizar a la guapa y sexualmente precoz Strawberry como billete para salir de la mierda de Texas. Es el sueño americano, ¿no? Excepto, claro, que no puedes justificarlo, porque Mikey está preparando a una adolescente para el trabajo sexual, y eso es aborrecible. Excepto que sí puedes, porque el trabajo sexual es un trabajo legítimo si se realiza de forma consentida y con más de 18 años, ¿verdad? ... ¿Verdad?

Mikey es el tipo de personaje al que Baker sabe dar vida perfectamente en los guiones y en la pantalla: carismático, divertidísimo, desesperado e insufrible (la película Zola, inspirada en un hilo viral de Twitter y estrenada un año antes, comparte parte de su ADN de basura blanca con Red Rocket, y lo mismo ocurre con Good Time, de los hermanos Safdie ). Baker sabe que estas personas son autodestructivas, pero no llega a culparlas, sino que deja que sus errores aparezcan en pantalla y que el público saque sus propias conclusiones.

Red Rocket también es muy, muy divertida: sin estropearlo, hay una escena icónica -utilizo esta palabra deliberada y cuidadosamente- de desnudez masculina frontal al ritmo de «Bye Bye Bye» de *NSYNC, que provocó el alboroto del público cuando la vi en el cine. Y la película es aún mejor por el guiño de que Simon Rex, que interpreta a Mikey, rodó un par de películas porno masculinas antes de que su carrera despegara, dando a todo el proyecto un aspecto ligeramente metatextual. Rex participó en algunas películas, como Scary Movie 3, 4 y 5, a principios de la década de 2000, antes de experimentar un parón en su carrera al optar por el rap en lugar de la interpretación; vivía en un estudio hecho con dos contenedores de transporte cuando Baker le envió el guión. Al igual que Mikey, Rex buscaba un proyecto que le devolviera a la pista y al candelero. En Red Rocket lo encontró.

1. La peor persona del mundo (dir. Joachim Trier)

No suelo ser muy partidario de la primera persona en las críticas de cine, así que perdóname de antemano. Vi La peor persona del mundo poco después de cumplir 28 años, la misma edad que Julie, la protagonista sin rumbo de la película, que va a la deriva por Oslo de trabajo en trabajo y de relación en relación, y me dejó una sensación indeleble de... no exactamente weltschmerz, sino más bien de nostalgia. Tenía una relatividad que no había visto en ninguna película antes o después, realmente, en cuanto a lo que se siente cuando las opciones de tu vida empiezan a cerrarse un poco, y el miedo a que te estés equivocando, de alguna manera, empieza a aumentar. ¿Dice eso más de mí que de la película? Tal vez, pero ahora, a los 30 años -más o menos la edad que tiene Julie al final de TWPITW-, me identifico con lo que siente Julie al concluir la película. No voy a extenderme demasiado aquí, porque es una película que todo el mundo debería ver sin saber lo que ocurre, pero las cosas cambian para ella, como para todo el mundo, de formas tanto buenas como malas (spoiler: no es la peor persona del mundo, en realidad).

Se trata de una película cuya trama gira más en torno a las relaciones que a los acontecimientos. Ocurren cosas, pero son secundarias respecto a cómo se siente la gente, y cualquier película en la que no ocurra nada enormemente dramático depende naturalmente de sus protagonistas para llevar el conflicto humano de cada escena. Aquí lo hacen con aplomo. Renate Reinsve, que interpreta a Julie, tiene una tristeza indomable, oculta tras una fachada de desparpajo y coquetería que, por decirlo sin rodeos, sólo alguien tan guapa puede manejar. Reinsve fue merecidamente la estrella revelación de la película, pero Anders Danielsen Lie, como Aksel, uno de los dos hombres con los que Julie sale a lo largo de la película, es igual de bueno. Si Julie no está segura de sus ambiciones, revoloteando de un trabajo a otro como una mosca y trabajando una semana en una librería antes de decidir dedicarse a la fotografía a la siguiente, Aksel, un poco mayor que ella, sabe lo que piensa y conoce su arte (es un caricaturista satírico en la línea de Charlie Hebdo, y debate abrasivamente sobre la libertad de expresión en la radio noruega cuando se le acusa de insensibilidad). Pero los acontecimientos de la película le arrebatan el éxito con una brutalidad asombrosamente realista, y -de nuevo, sin spoilers- su reacción es elocuente, carismática y amarga a la vez.

Romántica sin ser sacarina, sabia sin ser cínica, La Peor Persona Del Mundo reconoce que puedes ser una de las personas más privilegiadas de la faz del planeta -en tu salud, en tu educación, en tu lugar de nacimiento, en tu juventud y belleza y magnetismo- y aun así sentirte sin propósito, y de hecho que tal vez tengas incluso más probabilidades de sentirte sin propósito. Y todo esto lo lleva a cabo con garbo, manteniéndose sumamente entretenida al tiempo que alterna sin esfuerzo entre el naturalismo y la alta estilización; para ser una película con temas extremadamente pesados, nunca resulta pesada de ver. Presentada en un envoltorio cinematográfico que podría servir de anuncio de Visit Oslo -casi puedes oler la frescura del aire estival de los fiordos-, es tan bella como conmovedora. La Peor Persona del Mundo es la mejor película de la década de 2020, hasta el momento.

Mención honorífica para Dragones y Mazmorras: Honor entre ladrones, que nunca tuvo posibilidades de colarse entre las diez mejores, pero que era muy, muy divertida y evitaba las trampas más peligrosas del cine de propiedad intelectual, y para Challengers, en la que probablemente corregí en exceso el sesgo de retrospección y por eso no la incluí. También me gustaron mucho Top Gun: Maverick, Anatomía de una caída y Dune: Primera Parte.

Por: Tom Barrie